jueves, 30 de diciembre de 2010

Sobre la arqueología

Cuando tenía tan sólo 9 años, se despertó en mi una gran fascinación por el mundo arqueológico. Influenciada por peliculas como La Momia o la trilogía de Indiana Jones. La vida me ha llevado a estudiar una carrera maravillosa: HISTORIA DEL ARTE, pero... ¿porque nosotros no podemos especializarnos en arqueología como los de historia? Todavía es un misterio para mi, porque pienso que estamos igual de capacitados que ellos para reconocer los distintos períodos históricos, así como los diversos objetos. Y después de este párrafo, voy a hablar sobre la arqueología.
..................................................................................................................
La arqueología es una ciencia en evolución. Si se hubiera planteado hace unos siglos qué es la arqueología, la respuesta habría sido casi unánime, y la investigación arqueológica se habría relacionado con la historia del arte antiguo. El arqueólogo era considerado un personaje singular, fuera de su época, con la mente orientada al pasado. Pero hoy ya no es asi. A la pregunta inicial muchos responderían que el trabajo de los arqueólogos es útil para reconstruir la historia de un pasado lejano o incluso próximo. En la actualidad se demanda de un arqueólogo que saque a la luz no solamente obras de arte en particular, sino también documentos, materiales que permitan reconstruir sobre bases objetivas el desarrollo de una civilización. No podemos tener contacto directo con el mundo antiguo si no es a través de los hallazgos, a veces realizados casualmente, o de los testimonios literarios que nos han llegado de las distintas civilizaciones. Una pregunta que se plantea con frecuencia a los arqueólogos es la relativa a los métodos de investigación que conducen al descubrimiento de una zona arqueológica. Hay que responder que en ocasiones se hacen descubrimientos importantes por pura casualidad, durante trabajos agrícolas o cada vez con más frecuencia durante obras de construcción. Sin embargo el trabajo del arqueólogo no depende del azar y las investigaciones se llevan a cabo según métodos ya experimentados. ¿Como se llega entonces a realizar un descubrimiento? En primer lugar, es necesario consultar todo lo que ha sido escrito sobre la zona que se va a investigar, incluida una valiosa documentación de archivo, y puesto que no se han publicado todos los descubrimientos pueden servir de ayuda las notas de arqueólogos, anticuarios y eruditos del pasado. Otra fase importante es el reconocimiento de campo, donde la existencia de posibles restos de estructuras antiguas o de material en fragmentos (cerámicas, enlucidos, tejas, teselas...) podrían indicar una ocupación en la antigüedad. El objetivo de una excavación no es solamente sacar a la luz un edificio o una obra de arte, sino también hacer entender las relaciones entre el monumento y el contexto al que perteneció. La excavación se convierte así es uno de los principales instrumentos de investigación para el arqueólogo. Sin embargo, la adquisición de datos en arqueología implica inevitablemente el empleo de procedimientos destructivos. La tierra siempre ha sellado el pasado en estratos o capas denominados unidades estratigráficas (UE), y a través de ellos el arqueológo recorre hacia atrás el camino valiéndose precisamente del método estratigráfico. Los sedimentos que dieron origen a los estratos pueden ser de tipo antrópico (generados por la acción del hombre, como construcciones, derribos, incendios o acumulaciones de materiales), o del tipo natural, causados por fenómenos orogénicos (deformación de la corteza terrestre), erosivos (agua y viento) y catastróficos. La excavación estratigráfica sigue procedimientos estandarizados, por lo que se puede aplicar en todos los lugares y para todas las épocas. En los últimos años la ciencia arqueológica ha registrado grandes transformaciones, sobre todo por el uso de métodos y técnicas cada vez más evolucionados y combinados con otras disciplinas. Desde su nacimiento como ciencia independiente, la arqueología ha hecho uso de metodologías propias de otras disciplinas, como la geografía, la antropología, la sociología y la lingüística, y se ha valido también de la colaboración de biólogos, químicos, médicos y geólogos. La datación permite enmarcar históricamente un objeto o el estrato donde ha sido hallado determinando términos post quem y ante quem de un contexto. En muchos casos puede ayudar a establecer si se trata de una falsificación. El arqueólogo, que no siempre puede contar con elementos que faciliten la datación, para realizarla debe recurrir también al análisis de laboratorio. Las diferentes técnicas empleadas, según el material a datar, permiten obtener dataciones de tipo absoluto (es decir, fechas de calendario expresadas en años a partir de hoy) o dataciones relativas. Las principales técnicas para las dataciones relativas son la estratigrafía, la seriación y también análisis químicos. Entra las técnicas más utilizadas para las dataciones absolutas (también llamadas cronométricas) se encuentran la del carbono 14 (radiocarbono), la del potasio-argón y la que emplea la termoluminiscencia.

domingo, 12 de diciembre de 2010

Virgen de Brera

En primer lugar hay que destacar el promotor de esta obra, Federico de Montefeltro (1422-1482). Este personaje fue un condottieri del renacimiento italiano y duque de Urbino desde 1444 hasta su muerte. Es importante comentar que en esta obra aparece representado, pero enseñando su perfil izquierdo (como aparecía siempre que lo retrataban), ya que durante una de sus primeras campañas perdió el ojo derecho, quedando una gran cicatriz. Por eso enseña su "lado bueno". En cuanto al pintor, que fue Piero della Francesca, comentar que está considerado como el primero en intentar aplicar de manera sistemática la perspectiva geométrica a la pintura. ....................................................................................................................... -ANÁLISIS DE LA OBRA- El esquema de la composición es el siguiente: en el centro vemos a María con el niño dormido en una extraña posición. A cada lado de la virgen observamos a 3 santos y a 2 ángeles. La escena se desarrolla en un espacio dominado por un arquitectura de marcado carácter renacentista, especialmente la bóveda de cañón que se cierra en forma de concha de la que cuelga un huevo de avestruz. Los casetones se encuentran decorados con elementos florales y tienen un relieve considerable, creando la sensación de estar en un palacio más que en un espacio sagrado o celestial. La luz ilumina todas las figuras, reforzando el carácter escultórico y contribuyendo a la formación del espacio de la escena. También sirve para aumentar el efecto de autonomía de los personajes que aun estando muy unidos entre si, cada uno se encuentra distante de su compañero. La virgen es más grande que los demás personajes, y el mismo Federico de Montefeltro está colocado más al exterior para respetar el aura sagrado que se crea en torno a la virgen con el niño y los santos. ........................................................................................................ -INTERPRETACIONES SIMBÓLICAS- * HUEVO: al huevo que cuelga en la parte superior, y que señala al ombligo del niño, se le pueden atribuir muchos significados simbólicos. Se puede entender como símbolo de vida o nacimiento, ya que cuelga de una concha (símbolo de fecundidad). También puede simbolizar el signo de nacimiento de una virgen. Por otra parte el pintor pudo haber elegido este símbolo por la forma geométrica perfecta. *COLLAR: el niño Jesús sostiene en su mano un collar de coral rojo, que hace referencia a la sangre. Es como un símbolo de la vida y de la muerte, pero también de la función salvífica ligada a la resurrección de Jesucristo.

domingo, 21 de noviembre de 2010

Pazo de Bóveda

Este es un pazo que se encuentra en plena Terra Chá (Lugo- Galicia). Realizado por Domingo Lois Monteagudo por un encargo del canónigo Don Juan Francisco Suárez y Oca. El arquitecto se decantó por una obra que podía constituir una propuesta innovadora en cuanto a la tipología del pazo gallego, ya que rompía definitivamente con la barroca e introducía en Galicia el influjo palladiano (que tan decisivo iba a ser en la configuración del neoclasicismo). Es importante destacar que el arquitecto siguió manteniendo las paredes de la primitiva casa como elemento nuclear de la nueva obra. No sólo se retiró a un segundo plano la vieja fachada principal, sino que obligó a elaborar un proyecto de fuerte horizontalidad que le diese al edificio un aire solemne, amplio. Aunque Domingo Lois Monteagudo mantuvo las paredes de la antigua casa como elemento nuclear de la nueva obra, debió reelaborar por completo la organización interior del edificio. No sabemos nada de la planta inferior, salvo que estaba destinada a las dependencias agropecuarias. La planta superior es un modelo de organización calculada que se estructura alrededor de un amplio vestíbulo cuadrado y central. En este pazo existe un deseo de acomodar la organización funcional del espacio interno a normas de estricta simetría. Son clásicas, en definitiva, la idea de definir con absoluta claridad el volumen del edificio, la sobriedad de su lenguaje ornamental o su enfática simetría que impera en la fachada y que busca exaltar con los mínimos elementos posibles la nobleza y el talante de su dueño.

domingo, 31 de octubre de 2010

Características del Neoclasicismo

Fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII como reacción al mundo anterior barroco. El siglo XVIII es una época de grandes cambios, ya que el pensamiento ilustrado pretende acabar con la exaltación barroca y con su carácter escenográfico, con la personalización del poder y sobre todo con los excesos decorativos del rococó. El neoclasicismo (1750-1800) responde a esta necesidad poniendo la arquitectura al servicio del racionalismo, el orden, la armonía y los principios humanistas. En su esencia, se trata de una vuelta a la antigüedad grecorromana. ............................................................................................................................ En cuanto al mobiliario, los diseñadores que lo inspiran vuelven a las fuentes griegas y romanas en vez de a las renacentistas, pero adaptadas con mucho gusto al siglo XVIII. Los muebles neoclásicos eran simples y geométricos con patas rectas que se iban estrechando de sección redonda o cuadrada. En los muebles neoclásicos se usaba distinta ornamentación como pueden ser los medallones, dentículos, molduras corintias, jónicas o dóricas y se usaban maderas como el ébano o la caoba.

sábado, 23 de octubre de 2010

El megalitismo: túmulos en Galicia

A lo largo y ancho de toda Galicia se encuentran dispersos miles de TÚMULOS, que a menudo son facilmente perceptibles en el paisaje. Su forma es aproximadamente la de un casquete esférico que presenta un embudo en su parte superior. Su planta es circular, en ocasiones con tendencia elíptica y sus dimensiones son variables. En un número relativamente alto de túmulos se aprecia la existencia de una cámara, compuesta por piedras de grandes dimensiones, a veces cubierta por una gran losa. Estos túmulos, conocidos con los nombres de mámoa, medoña, modia...se extienden por toda la región. Las necrópolis no sólo están al servicio de la muerte, ya que es posible que algunas hayan servido de testigo no unicamente de la comunidad de los muertos, sino también de los vivos. ..................................................................................................................... -PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS ARQUITECTÓNICAS DE LOS TÚMULOS- Están constituídos por sedimentos y piedras, presentando en ocasiones un anillo de piedras que rodea su perímetro basal, aunque también se conocen anillos alrededor de la cámara. Con cierta frecuencia la masa tumular está recubierta de un enlosado a modo de coraza pétrea que sólo deja al descubierto la gran piedra de cubierta de la cámara. La función de la coraza y de los anillos ha sido objeto de varias interpretaciones. A la coraza se le atribuye una finalidad protectora. Cumple varias funciones al servicio de la monumentalidad, tales como preservar la forma y dimensiones primitivas del monumento y, por la naturaleza de la piedra, marcar el contraste entre éste y su entorno de un modo rotundo. A continuación comentar las diferentes partes: *Anillo basal: en algunos monumentos se aprecia un anillo de piedras que delimita todo el perímetro de un túmulo hecho de sedimento. A este tipo de anillos basales se le atribuyen 2 funciones (una protectora del túmulo, para que éste no pierda la forma y dimensiones por la parte inferior; otra sería de carácter ritual delimitando la arquitectura con respecto al entorno-el mundo de los vivos-). *Anillo central: hasta ahora son pocos conocidos, puesto que para localizarlos es necesaria una cuidadosa excavación en el túmulo. Pero realmente su escasez y su desarrollo permiten considerar que su presencia no es necesaria desde el punto de vista estrictamente funcional. *Anillo interior: se encuentra apoyado en las caras externas de las piedras de la cámara, por lo que su aparente funcionalidad parece evidente. *Cámara: una parte importante de los túmulos alberga en su interior, en posición central, una cámara compuesta por piedras de tamaño regular o grande. A menudo presenta un hueco o puerta de acceso unido a un corredor que comunica con la parte externa del túmulo. La cármara es el área donde se concentran los hallazgos del ajuar, suele estar situada en la zona central del monumento y en algunos casos la pintura y el grabado se limitan a este recóndito espacio interior. *Corredor: por lo general es corto hasta el punto de que en ocasiones puede plantear dudas sobre su funión. En pocos casos alcanza gran desarrollo y contiene alguna manifestación artística como grabado o pinturas. En la siguiente fotografía nos encontramos con diferentes tipos de túmulos:

domingo, 10 de octubre de 2010

El "santo dos croques"

Por muchos es conocido el "Santo dos croques", la estatua situada en el conjunto escultórico del Pórtico de la Gloria (en el interior de la catedral de Santiago de Compostela). La estatua aparece arrodillada tras el basamento del parteluz del pórtico, en el eje de la nave central de la catedral, que se prosterna ante el altar mayor de la basílica. Se considera que representa al maestro Mateo. Por esta creencia surgió la excepcional liturgia de golpearse (ligeramente) la frente contra su cabeza para adquirir, en una suerte de magia, parte de su sabiduría y habilidad. Esta escultura tiene cabellera rizada con los mismos caracolillos de algunas estatuas del Pórtico de la Gloria (como el profeta Daniel). Dicha estatua mira al altar mayor de la catedral de Santiago. Viste una túnica delgada que en parte ciñe su cuerpo, encima lleva un manto abrochado sobre el hombro. Con su mano derecha se golpea el pecho y con la otra sujeta una larga cartela en la que , según escritores de mediados del s.XX, estaba grabada la palabra: "ARCHITECTVS" (hoy borrada) que se complementaba con las todavia visibles letras incisas en el basamento del parteluz: "FEC" abreviatura de fecit, es decir, que identificaba a este personaje con el arquitecto de la obra. Se trataría pues del propio maestro Mateo que, devotamente, se arrodilla ante el apóstol Santiago para ofrecerle su obra. De ser cierta esta interpretación el "Santo dos croques" sería una nueva anticipación de tan genial maestro que, quizá por vez primera y solemne, introduce en el arte hispano la presencia del donante que no es quien encarga la obra, sino el artista que asume el protagonismo en su obra.

viernes, 1 de octubre de 2010

Crónica de una visita a Paris

-23 de septiembre: cogimos el avión (con retraso) destino a París. Después de dar unas cuantas vueltas para salir del aeropuerto, conseguimos coger el tren que nos acercó a la ciudad. Una vez que conseguimos llegar a la ciudad, nos preparamos para coger el metro que nos llevó a nuestro hotel (no fue nada fácil...) -24 de septiembre: despues del madrugón nos atrevimos a coger el metro de nuevo (!!) llegando a nuestro primer destino: MUSEO DEL LOUVRE. Pasamos 6 horas alli dentro, paramos unas cuantas veces a descansar pero el resto las disfrutamos contemplando las maravillas que alli se exponen (sobre todo las salas dedicadas al arte antiguo). Al terminar de ver semejante museo-palacio, nos quedaron fuerzas para descansar en el parque que estaba al lado del Louvre, observando el arco del carrusel. De vuelta a casa, decidimos hacer un pequeño desvío para ver la iglesia de Notre-Dame, porque aunque sea todo restaurado merece la pena verla. -25 de septiembre: de nuevo madrugón. Volvimos a coger otro metro que nos acercó hasta el MUSEO DE ORSAY. Esta vez no estuvimos tanto tiempo dentro del museo, pero disfrutamos tanto como en el museo del Louvre. Una vez visto el museo, nos dirigimos hacia la iglesia de la Madeleine (mucho más bonita por fuera en mi opinión) y tras quedar horrorizados por las tiendas de souvenirs que hay en su interior, salimos. -26 de septiembre: madrugón como hasta ahora. Metro como todos los dias (esto empieza a ser rutinario jaja). Pero para variar nos alejamos del centro de París para visitar una "pequeña" iglesia desconocida por muchos y que tiene una gran importancia. Estamos hablando de la iglesia de SAINT-DENIS (donde se dice que empezó el gótico). Tuvimos que esperar a que terminase el acto litúrgico para poder acceder a los lugares donde antes no se podia estar (cripta y cabecera). Después de estar media hora observando las preciosas vidrieras de su cabecera, decidimos bajar hasta la cripta, donde nos encontramos con numerosos sepulcros (algunos de ellos vinculados con monarcas franceses). Cabe destacar el sepulcro de Clovis en la cabecera de la iglesia (fundador de la misma). Por la tarde de ese mismo dia, regresamos al centro de París para visitar el POMPIDOU (museo de arte contemporáneo), donde pudimos ver a un artista llamado Arman que exponía algunas de sus obras relacionadas con el arte de la postguerra (2º mitad del 1950). Pero lo más interesante se reservaba para el final, una inmensa sala dedicada a las numerosas vanguardias del s.XX. Yo no podía contener la emoción de estar delante de varias obras del mismisimo WASSILY KANDINSKY (!!!!!!!!!) -27 de septiembre: madrugón. Metro al centro de París. Esta vez tuvimos la ocasión de presenciar una exposición única en el PALAIS ROYAL sobre el pintor impresionista Claude Monet, ya que trajeron obras que normalmente no facilitan. Después de esperar una cola de casi 2 horas, conseguimos ver esas obras que se encuentran dispersadas por todo el mundo. Más tarde, a la salida de la exposición nos dirijimos hacia una pequeña capilla situada en el corazón de París, estamos hablando de la SAINTE CHAPELLE (desgraciadamente su cabecera se encuentra en obras hasta el 2013). Lo mejor es subir y encontrarse con esa explosión de colores provocada por las numerosas vidrieras que presenta dicha capilla. -28 de septiembre: madrugón. Metro al centro de París. No podíamos marchar de París sin visitar la TORRE EIFFEL (como es tradición en todo turista), asi que cumplimos con el reglamento. También decidimos acercarnos a la iglesia de SAINT GERMAIN DES PRES, bastante señalizada y conocida en la zona. Por la tarde regresamos a españa, a nuestra querida ciudad SANTIAGO DE COMPOSTELA. Sin duda un viaje inolvidable. Le mando saludos a mi acompañante en este viaje. P.D: hogar dulce hogar (con precios normales jajaja)

jueves, 16 de septiembre de 2010

Nuevo blog de arte

Hoy me gustaría anunciaros la creación de un nuevo blog relacionado con el arte. Y digo relacionado con el arte, porque depende de nuestros gustos y puntos de vista que sea o no objeto de ser elevado a categoría artística. Viene a ser un blog que critica numerosas "obras" del arte conceptual. Lo que pretendemos, un buen amigo mio y yo con la creación de este blog, es crear un amplio campo de debate, donde cada uno puede exponer su opinión libremente (faltaría más...) ante las numerosas imágenes que se irán colocando en el blog. Esperamos que participeis, ya que podría ser divertido. Para entrar en el blog pinchar AQUI. P.D: "Modelo de caucho" obra de Richard Serra P.D2: "Botellero" obra de Marcel Duchamp P.D3: "Azul III" obra de Joan Miró

jueves, 26 de agosto de 2010

Mi primera obra

- "Texturas" - Óleo sobre lienzo - 18x14 cm ........................................................................................................................................ Después de tanto tiempo, me he animado a realizar mi primera obra artística. Y a pesar de todo, no me he basado en ningna obra en particular. Simplemente dejé salir el lado creativo, y ahi teneis el resultado. ¿Qué es? ¿Qué quiere transmitir? la respuesta es...NADA!! Hay muchos cuadros abstractos que si pretenden reflejar un significado, pero en mi caso no pretendía enseñaros ninguno. Si ahora alguien me dice que ve un marco de una ventana en primer plano, con 2 gotas gigantes en uno de los cristales, es pura casualidad!! A veces se le da un significado a las obras sin saber si de verdad lo tiene (no tiene porque haber significado). Puedo decir que me he basado en Pollock o en Mark Rothko, pero no en sus respectivas obras, si no en su idea de arte como proceso creativo (y punto final). ......................................................................................................................................

lunes, 23 de agosto de 2010

Sobre el antiguo egipto

-VIDEO SOBRE LAS PIRÁMIDES- -VIDEO SOBRE LAS TUMBAS EGIPCIAS- P.D: todo viene perfectamente explicado en los videos, por tanto sobran las palabras. Espero que disfruteis del contenido tanto como yo.

martes, 10 de agosto de 2010

Sobre la Catedral de Zamora

La construcción de esta catedral se remonta al año 1151, pero fue consagrada en el 1174 aunque sus obras continuaron hasta bien entrado el s. XIII. Su planta es de 3 naves de 4 tramos cada una, tiene un crucero ligeramente marcado en planta y una cabecera tardo gótica (ca 1500) que sustituyó a la original, que era triabsidial. Con respecto al transepto, decir que se cubre con bóvedas de cañón apuntado, las naves laterales con bóvedas de arista, y la nave central con bóveda de crucería tardorrománica o protogótica. Otro de los elementos más característicos es el cimborrio, que pertenece al último cuarto del s. XII. Presenta decoración a base de gallones y escamas. Sin paralelo en la arquitectura medieval, tiene influencias francesa, bizantina, cruzada y musulmana: De las torres previstas, sólo se llegó a levantar la septentrional, a los pies del templo, de porte robusto y ciertamente poco esbelta: Por otra parte también debemos comentar la importancia de la puerta del Obispo (la puerta Sur), ya que es la única puerta original que se conserva. Observamos equilibrio y sobriedad. Tenemos la confluencia de elementos de procedencia clásica, francesa, oriental e hispanomusulmana: Y para terminar, os facilito este fantástico vídeo que nos adentra en la propia catedral:

miércoles, 7 de julio de 2010

Orígenes San Pedro del Vaticano I

La primera basílica de San Pedro del Vaticano, se construyó hacia el año 320 por el emperador Constantino. Fue la mayor iglesia de etapa constantiniana en Occidente. Estaba situada donde se suponía que estaban enterrados los restos del apóstol y se convirtió en el paradigma de basílica primitiva hasta muy entrada la Edad Media. Tomaron como referencia la basilica romana (destinadas a impartir justicia), por sus amplias dimensiones, y porque nunca fue recinto de culto de otras religiones. Su estructura alargada, rectangular y dividida en naves, les hacía muy adecuadas para las necesidades del culto cristiano. El exterior de la basilica paleocristiana es muy sobrio, con muros lisos y sin ornamentos. Tenía un atrio con pórtico. Por otra parte sus cubiertas eran de madera y el tejado caía a 2 aguas. La gran diferencia con respecto a las basilicas romanas es que aqui han eliminado las bóvedas. En el interior la nave central era el doble de ancha que las laterales y más alta. Precisamente esta mayor altura, permitía situar en la parte alta una hilera de ventanas que permitía la iluminación interior. La cubierta era de madera. Por otra parte cabe destacar una el transepto, o nave que cruza transversalmente las naves longitudinales, y que dará lugar a la aparición de la característica planta de cruz latina. Ahora os dejo un vídeo que resume todo lo escrito anteriormente: Derribada a fines del siglo XV, por su estado ruinoso, en el solar que ocupaba se construyó a partir del siglo XVI (se inició con Bramante) la gigantesca basílica que actualmente constituye la mayor expresión del poder de la Iglesia romana. Pero de esto hablaremos en la próxima entrada.

domingo, 27 de junio de 2010

Las termas en la antigua roma

La aportación fundamental de la arquitectura romana son las termas (verdadera construcción romana), aunque también tenemos la utilización del arco de medio punto, que es otra característica fundamental de su arquitectura. Las termas romanas son recintos públicos destinados a baños para la civilización romana. En las antiguas villas romanas los baños se llamaban balnea o balneum y si eran públicos thermae o therma. Las termas eran un sitio para bañarse, pero también para pasar el tiempo (lugar para pasear, hablar con los amigos o realizar ejercicios físicos). Todos podían acceder a las termas pagando un módico precio. Se cuidaba el ambiente con una delicada decoración en donde no se escatimaban medios, llenando las estancias de maravillosos frescos, mosaicos y estatuas. Tenemos distintas estancias dentro de las termas romanas, como pueden ser: *Apodyterium: vestuario-guardaropa // *Palestra: patio central al que se abrían todas la demás estancias y se podían prácticar ejercicios físicos // *Frigidarium: sala de agua fria // *Tepidarium: sala de agua templada // *Destrictarium: lugar donde se limpia la piel (alrededor de un estanque) // *Laconicum: lugar donde se realizaban baños de vapor // *Caldarium: sala de agua caliente // *Unctorium: sala accesa que se encuentra al lado de los baños // *Natatio: piscina de agua fria, puede estar dentro del frigidarium o en el exterior // Hacía falta mucho combustible y mucha agua para desarrollar este sistema de baños. Los recursos hidráulicos eran traídos mediante la red de acueductos que toda ciudad romana tenía. El interior de las estancias y las piscinas de agua caliente se realizaba mediante el sistema de hypocaustum. El sistema está basado en la distribución mediante túneles y tubos de agua caliente y vapor que se extendía por debajo de los suelos de las estancias y piscinas y era alimentado por una serie de hornos que se hallaban en los sótanos. Y ahora un vídeo para aclarar mejor todos estos conceptos:

domingo, 6 de junio de 2010

Sobre las vanguardias históricas

Se conoce como vanguardias históricas a los estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX Durante la época de las grandes vanguardias históricas se produce en el arte una auténtica revolución de las artes plásticas. Veamos algunas de sus características comunes: *Rebeldía frente a lo existente. Alternativas rebeldes // *Culto a lo nuevo y rechazo al pasado // *El arte puede transformar la sociedad // *Profunda reflexión sobre el lenguaje artístico // *Ideario difundido a través de manifiestos // *No existen nexos de unión entre las vanguardias, pero no son compartimentos estancos // *Estética de la provocación // *Rechazo absoluto a la pintuea burguesa anterior // *Los artistas son conscientes de estar creando un arte de los nuevos tiempos (posturas innovadoras) // ...................................................................................................................................... En las distintas vanguardias tenemos una permanente información entre ellas, de hecho, muchas de ellas se inspiran las unas de las otras. Aunque las vanguardias surgen en diferentes paises, existe un interés por conocer una de las otras. Muchas veces, el fin de una vanguardia supone el principio de otra. Es importante decir también, que en la mayoría de los casos nos encontramos con coincidencias ideológicas. Surgen como grupos insignificantes y al margen del mercado, pero en poco tiempo se convierten en paradigma estético de la nueva sociedad. ..................................................................................................................................... Podemos destacar 4 vanguardias: *VANGUARDIAS EXPRESIVAS: Fauvismo, Expresionismo // *VANGUARDIAS ANALÍTICAS: Cubismo, Futurismo // *VANGUARDIAS CONSTRUCTIVAS: Constructivismo, Neoplasticismo, Bauhaus // *VANDUARDIAS PSIQUICAS: Dadaismo, Surrealismo // Hagamos una pequeña explicación de cada vanguardia: -VANGUARDIAS EXPRESIVAS- Derivadas de artistas postimpresionistas. Tenemos una transmisión de emociones. Por otra parte nos encontramos con una ruptura en la representación tradicional y en la narración. También tenemos una deformación de los objetos, con un predominio del color libre. La representación está en función de los estados de ánimo del propio autor. -VANGUARDIAS ANALÍTICAS- En este tipo de vanguardias nos encontramos con un análisis de las formas. Tenemos una modificación de los códigos de representación establecidos, además de la creación de otros nuevos. Destaca la intensa investigación analítica de las formas. -VANGUARDIAS CONSTRUCTIVAS- Desestiman la figuración, centrándose en una nueva construcción útil (que el arte sea útil). Tenemos la utilización de nuevos materiales, y un trabajo que debe ser útil para la sociedad. También se pretendía hacerparticipativa a la sociedad del arte. -VANGUARDIAS PSIQUICAS- En estas vanguardias nos encontramos con una alteración semántica y formas de la creación (cambian el significado de las formas). Tenemos actitudes contrarias a las convenciones sociales. Se consideran las vanguardias antecedentes del arte conceptual.

domingo, 9 de mayo de 2010

Sobre la Victoria de Samotracia

-VICTORIA DE SAMOTRACIA-

-ca 190 a.C

-Material: mármol de Paros // -Dimensiones: 328 cm (con las alas incluídas) // -Procedencia: Samotracia (una isla del mar Egeo)

..................................................................................................................................... Se trata de una escultura que representa una Niké o Victoria, que se acaba de apoyar sobre la proa de un barco, y ésto está relacionado con su función (que comentaré más tarde): Vemos como sus ropas se arremolinan por el viento marino.Viste un fino jitón atado con un nudo bajo el pecho, que presiona la tela. Los infinitos pliegues del ligero vestido fluyen alrededor del cuerpo, se pegan al pecho y vientre, insinúan y realzan las bellas formas femeninas. La composición es abierta, observamos en la escultura las diagonales y curvas, que producen desequilibrio. De frente, la figura se retuerce y se abre en las dos largas curvas de las alas. Vista lateralmente, se observa una gran línea diagonal que enlazaría desde la pierna hasta la perdida cabeza. El dinamismo de la composición se completa con las múltiples y delicadas curvas del vestido. El movimiento impetuoso de la niké se expresa en los paños que se agitan y vuelan y en las alas desplegadas hacia los lados y atrás. El escultor ha querido captar el instante en que se posa en la proa de un barco: El modelado de las formas está conseguido con gran expresividad. El artista ha sabido expresar a la perfección los efectos del azote del viento sobre el cuerpo de la diosa, con un estudio anatómico de gran habilidad técnica. El ligero ropaje, de "paños mojados" adheridos al cuerpo, vela las formas y las carga de sensualidad y misterio, volviendo más hermoso el cuerpo de la Niké. El juego de la luz se acentúa en los plegados, creando violentos contrastes de luz y sombra. En cuanto a su función: destinada a conmemorar la victoria naval de los rodenses sobre la flota de Antíoco III de Siria. Se dice que su escultor fue Pithócritos, escultor poco conocido de la Escuela de Rodas. No podemos afirmar su autoría, pero si sabemos que esta escultura fue realizada en la escuela de Rodas. En estas escuelas se realizaban obras en torno a una ciudad. P.D: post realizado con la ayuda de ESTA página web!!

sábado, 1 de mayo de 2010

Sobre la Scala Regia

La Scala Regia fue un encargo de Alejandro VII realizado entre 1663 y 1666 y tenía como fin comunicar el atrio de San Pedro con los palacios Vaticanos: Fue una de las últimas intervenciones de Bernini en su gran empresa vaticana. Es una escalera que se comunica con los recintos de la basílica del Vaticano. Es una obra tanto funcional como ceremonial. Por otra parte, podemos decir que lleva un caracter fuertemente teatral. El espacio que tenía Bernini para realizar dicha escalera estaba condicionado por 2 muros que no podía destruir. Además había que tener en cuenta la pendiente que presenta el espacio. Para corregir esas proporciones, Bernini introduce unas columnas cuyo ritmo varia (el diámetro de las columnas va disminuyendo desde la parte alta a la parte baja). A todo esto se le añade una bóveda acasetonada que también va reduciendo sus dimensiones. Juega con la perspectiva y la luz: Esta obra debe relacionarse con una obra anterior proyectada por Borromini, y que se encuentra en el Palacio Spada (en Roma): De alguna manera esta obra refleja la competencia que había entre ambos (Bernini y Borromini). El problema espacial es resuelto de una manera similar a la utilizada por Borromini, pero los detalles clásicos diferencian a Bernini mucho de este autor.

domingo, 18 de abril de 2010

Movimiento Dada

Dada (1916-1923) es un nombre sin significado. Surge en 1916 en el café Voltaire (en Zurich) con ese nombre, ya que los artistas que integraban el movimiento no creían en nada, ni siquiera en el arte. Su impulsor fue Tristan Tzara. Buscaban todo aquello que no se encontraba en la sociedad adicional. Rompieron con la estética de TODO. Algunos de los artistas de este movimiento: Tristan Tzara; Man Ray; Max Ernst; Marcel Duchamp. Cada artista Dada "va a su rollo", por tanto surjen ideas muy distintas. ............................................................................................................................... Algunas de sus características: -Dada niega todo lo racional, así como el uso lógico del lenguaje rompiendo la sintaxis convencional a través del juego de palabras o del azar. -También intervienen y alteran las imágenes o elementos de reconocimiento social o cultural manipulados. -Elevan a categoría artística objetos de uso cotidiano. -Los nuevos objetos (Ready Made) suponen el desplazamiento y la desestabilización entre el lenguaje y la visión, entre la palabra y el objeto. A este nuevo objeto se le da un título que desestabiliza su significado y utilidad primitiva-original. -Buscan la provocación a través del erotismo, lo "politicamente incorrecto", con el fin de desorientar al espectador. Algunas de las técnicas que llevaron a cabo los dadaístas: Collage; Ensamblaje (muchas veces surje por medio del azar); Azar; Frotagge; Grattage; Ready Made (la auténtica revolución del Ready Made es la actitud artística de primar la idea sobre la representación). Dentro de los Ready Made pueden darse 3 casos: 1-Objetos que el artista no manipula, y que simplemente les añade un título: ..................................................................BOTELLERO...................................................... 2-Ready Made para mirar. Alteración de imágenes: ..................................................................L.H.O.O.Q...................................................... 3-Objetos ensamblados (es decir, los que se tienen que manipular): ....................................RUEDA DE BICICLETA....................................

domingo, 11 de abril de 2010

Constructivismo Ruso

En octubre de 1917 se produce la caída de los zares por parte de la sociedad proletaria (revolución rusa). El arte se intregra en la construcción de una nueva orden social. Tenemos nuevas formas con el espíritu revolucionario. La orientación del arte al pueblo y para el pueblo. Nos vamos a encontrar con artistas que realicen carteles propagandísticos o publicitarios (surje un nuevo concepto de diseño gráfico). Sin duda serán el nuevo icono para la sociedad. El constructivismo ruso será la base de investigación en el arte europeo. Tenemos una unión con el arte y el proceso de producción. Pues en estos momentos el arte debía llevar consigo un caracter utilitario. Destaca la idea del artista como un técnico. El término de constructivismo ruso lo acuñó Naum Gabo. Los principales artistas fueron: Vladimir Tatlin // El Lissitzki // Rodchenko // Anton Pevsner. Ahora veamos algunos ejemplos, para entender mejor este movimiento artístico.............................................................................................. -CONTRARRELIEVE- VLADIMIR TATLIN Esta es una escultura realizada por Vladimir Tatlin. Nos encontramos con un ensamblaje (donde tenemos una serie de elementos unidos entre si). Como se observa en la fotografía, esta escultura depende de la pared, ya que es su soporte. Si en este caso no tuviéramos la arquitectura, no se podría concebir la escultura. Vemos que se trata de una escultura tensionada por una serie de cuerdas que también forman parte de la escultura. Otro dato importante es la utilización de nuevos materiales: el hierro, el metal. Estos materiales de metal que se encuentran en el centro de la composición subrayan las cuerdas. También cabe destacar que existe un proceso de investigación industrial en las obras del momento. Pues tenemos un serie de ensamblajes realizados con materiales industriales. /// En resúmen: los artistas buscaron producir cosas útiles, en las áreas de diseño industrial, comunicación visual y artes aplicadas al servicio de la nueva sociedad comunista. Y aunque el movimiento durase muy poco tiempo, produjo un gran impacto. Algunas de las características del movimiento:

- Los representantes no ven sus obras como arte. La técnica y el proceso para elaborar el producto son de gran importancia.

- Predomina lo tridimensional, la escultura, la arquitectura y el diseño industrial.

- Se asocia a la producción industrial y sus composiciones son construidas matemáticamente.

- Se dedicaron al diseño de carteles, tipografías, fotografía, arquitectura interior, propaganda, ilustraciones.......................................................................................................... P.D: información complementada a través de: pinchar AQUI

sábado, 27 de marzo de 2010

Selección de Vídeos

Teneis que perdonar todo el tiempo que llevo sin actualizar el blog, pero además de irse la inspiración tampoco tengo mucho tiempo. Hoy os traigo un serie de vídeos sobre diversos pintores, espero que os gusten................................................................................................... -SOBRE VLADIMIR KUSH- -SOBRE JOAQUIN SOROLLA- -SOBRE VICTOR VASARELY- -SOBRE PAUL CÉZANNE-

martes, 16 de marzo de 2010

El palacio de Luxemburgo

Hoy quiero comentar este palacio, para facilitar la práctica de arte moderna a mis compañer@s de clase. ...................................................................................................................................................... Para empezar, hay que comentar que actualmente este palacio alberga el senado francés. Es un edificio que fue construído para María de Médicis, entre los años 1615-1624 por el arquitecto Salomón de Brosse. Al parecer María se queda viúda un dia después de ser coronada regenta. Para alejarse de las intrigas de la corte que residía por entonces donde encontramos actualmente el Museo del Louvre, decide buscarse otro alojamiento, más digno para su cargo de regente, y que además le recordase al palacio florentino de su niñez. La reina logró comprar en 1612 la residencia de un duque de la zona, llamado François de Luxembourg. A pesar de sus intentos por llamarlo "Palacio de Médicis", el palacio siempre fue conocido por el nombre de su antiguo dueño. Las obras empiezan en abril de 1615 y en 1624 con el arquitecto Salomon de Brosse, que tenía que tomar como referencia el Palacio Pitti, en Florencia (la tierra natal de María de Médicis). El palacio Pitti era la antigua residencia principal de la dinastía de los Médici (ver siguiente foto). La entrada se sitúa al norte y la fachada principal está orientada al sur y da sobre el Jardín del Luxemburgo. Para la realización de los jardines también tuvo que comprar y demoler otras residencias, y sólo después de la muerte de María de Médicis, hacia fines del siglo XVIII, los jardines alcanzaron un tamaño considerable. El Jardín del Luxemburgo es el más céntrico y popular parque de París. Es de estilo neoclásico , con calles dispuestas simétricamente alrededor del estanque octogonal central. Sabemos que el palacio fue ampliado varias veces, pero sin modificar mucho su aspecto exterior. Sin embargo, para dar cabida al Senado en 1969 se necesitó construir oficinas individuales para cada senador y varias salas de reunión y locales administrativos además de adaptar al gusto del siglo XX a las comodidades básicas. Por otra parte, tanto el palacio como los jardines sufrieron las vicisitudes de sus propietarios, y quedaron casi abandonados en varias ocasiones. El palacio fue transformado en prisión cuando estalló la Revolución Francesa. Durante la Segunda Guerra Mundial, los alemanes lo utilizaron como cuartel y construyeron un búnker en el jardín. Del jardín inicial sólo queda un monumento: la fuente de María Médicis (ver siguiente foto).

lunes, 8 de marzo de 2010

Sobre el Fauvismo

El movimiento conocido como FAUVISMO (1904-1907) se formó mediante un grupo de artistas formados en su mayoría por Gustave Moreau. Estos artistas continuan la senda marcada por los postimpresionistas (las principales características provienen del neoimpresionismo y de Paul Gauguin). A estos artistas les atraían los colores fuertes, llamativos (ya que el fauvismo es COLOR). Se dieron a conocer en el Salón de Otoño de Paris en el 1905 con el nombre de fauvistas. Algunas características de este movimiento son: *El color se libera del dibujo (ya que el dibujo queda como aspecto secundario) *Investigan en la teoría del color (colores primarios, secundarios y complementarios). *Prescinden de la gradación tonal y el claroscuro. *Síntesis de las formas. Nos encontramos con una pintura gestual, espontánea. *Tenemos una distorsión de la realidad. *Interés por el decorativismo (es un movimiento esteticista). *NO rompen con la armonía y el orden. En definitiva, este movimiento es como un mosaico de aportaciones en el que cada pintor acometía sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad. Les unió la actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos de la época rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Los fauvistas creían que a través de los colores podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Los principales protagonistas fueron: Andre Derain, Henry Matisse, Albert Marquet y Henry Manguin. A continuación vamos a ver y comentar algunos ejemplos de obras fauvistas: -LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD- HENRY MATISSE Esta obra es un buen ejemplo para observar todavía la presencia de la técnica puntillista, característica del movimiento neoimpresionista. Ya que esta obra pertenece a los primeros momentos de este nuevo movimiento. Pero sin duda lo que más nos llama la atención es la presencia del color. Nos encontramos con una composición donde presominan las líneas horizontales y verticales (en algunos casos se cruzan). Es una obra que está perfectamente estructurada (en este sentido siguen siendo todavía muy clásicos). Por otra parte no nos podemos olvidar que se trata de una obra bastante decorativa (recordar las características comentadas anteriormente). -LA RAYA VERDE- HENRY MATISSE En esta ocasión nos encontramos con un retrato (en especial el retrato de su esposa). A primera vista, nos llama la atención la utilización de una pincelada pastosa, al contrario que la obra que comentábamos antes (observamos una evolución en cuanto a la pintura). No importan los detalles anatómicos de la persona representada, sino representar a esa persona mediante el COLOR. Otro de los grandes factores importantes es la LUZ. En esta obra nos encontramos una separación entre la parte que está iluminada y la que está en sombra, y esto aparece marcado por la raya verde que tenemos en el rostro de la mujer. Por tanto vemos una clara diferenciación de luces.