lunes, 4 de diciembre de 2017

Sobre el Anhk Egipcio

Estoy segura que la mayoría conocéis el siguiente símbolo egipcio llamado Ankh o Anj:

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Se trata de un símbolo muy utilizado en la cultura egipcia, aparece representado numerosas veces a lo largo de la iconografía. Significa "VIDA". Suele atribuirse a los dioses inmortales.
Según las creencias y simbolismo del antiguo Egipto, se confiaba en el Ankh o Anj para traer longevidad y salud eterna. 
Con respecto al mundo de los muertos, era la llave para abrir las puertas del paraíso, así como los dioses amigables que traían una vida eterna y feliz.
El Ankh o Anj aparece representado en las manos de los dioses como un símbolo de vida eterna. Pero además también sería la llave de los misterios de la naturaleza (la humanidad, el microcosmos, etc).
Como amuleto, al Ankh, se le atribuiría la capacidad de atraer y conservar el aliento de la vida y las fuerzas vitales. Son muy numerosos los grabados y las esculturas en los que aparece un dios o diosa con la cruz en la mano, acercándosela a la nariz de algún otro dios o protegido. Con este gesto, el portador de la llave en forma de cruz, insuflaba aliento de vida al otro, quien a su vez, lo recibía a través de su nariz. 

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Los egiptólogos nos dicen que el ankh simbolizaba para los egipcios la vida, el aire y por extensión el agua (la fuente de vida). Explican también que el Ankh debe interpretarse como el aliento vital que facilitaba la respiración a los difuntos en el Más Allá. De esto se deduce que el Ankh es vida para los residentes de ambos mundos. El Ankh beneficia tanto a los vivos como a los muertos, porque para los egipcios, la muerte no era el fin, sino una transición hacia la vida eterna y por ello, cuando una persona moría se realizaban una serie de complejos rituales funerarios y se colocaban también amuletos que ayudaban al difunto a tener un buen camino hacia la vida eterna.

P.D: A partir de la llegada del cristianismo, alrededor del siglo II d.C., los primeros cristianos egipcios (conocidos como coptos) adoptaron el Anj como una variante de la cruz que todos conocemos hoy en día.



miércoles, 29 de noviembre de 2017

Mundo abstracto de Mark Rothko

Antes de que alguno suelte la frase "a mi no me dice nada", os pediría que leyeseis primero este manual de instrucciones para comprobar si realmente habéis contemplado sus lienzos como es debido:
  1. No se puede opinar sobre este artista si solamente se han visto sus cuadros en foto. Las obras de Rothko son lienzos enormes que hay que ver al natural.
  2. Tampoco deberían contemplarse en una exposición o museo que esté lleno hasta las patas. Hace falta silencio, poca gente y un ambiente recogido (mejor entre semana, a una hora en que no haya mucho lío).
  3. No se puede ir con prisas. Estos cuadros requieren su tiempo y merece la pena dedicárselo.
  4. Hay que colocarse frente a la obra, lo más cerca que se pueda sin que te riña el vigilante de la sala, y dejar que la mirada se pierda libremente en los colores, sin pensar en nada más. Al cabo de un rato, mayor o menor dependiendo de la concentración de cada uno, se producirá el milagro.


Mark Rothko fue uno de los máximos representantes de la abstracción americana. A través de su personal lenguaje pictórico, que enlazaba con la tradición europea de lo sublime, el artista quería expresar las más básicas emociones universales, como la tragedia o el éxtasis. 
Los campos de color son aquí el vehículo que emplea Rothko para simbolizar la necesidad de que el espectador indague en sus propias emociones. La obra de arte tiene entonces un sentido de búsqueda del propio yo, de invitar a la reflexión y a la introspección. El abstracto, en este caso, busca el alma de quien contempla el cuadro.
La sociedad siempre ha marcado a los artistas, en el caso de Rothko estuvo marcada por  la ciudad de Nueva York, que se ha convertido en la auténtica capital del mundo capitalista, no sólo a nivel financiero y empresarial, sino también en lo que respecta a las cuestiones culturales y, más concretamente, a las artísticas.
A finales de los años 40, Rothko elimina de su pintura cualquier elemento figurativo dando paso a su enfoque basado en los colores puros en el espacio.

A finales de los años sesenta, en medio de una crisis depresiva, pintó una serie de obras con pintura acrílica negra que evocaban su profunda melancolía. Incapaz de superar este estado de ánimo, terminaría suicidándose en 1970.

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martes, 3 de octubre de 2017

Sobre Victor Vasarely

Hola a todos!!! Puede que os sorprenda mi nueva entrada ya que la última tuvo lugar hace varios años...
Pero he vuelto con muchas ganas de seguir compartiendo con vosotros mi pasión por el arte.

Quisiera hablar del artista llamado Victor Vasarely, de origen Húngaro, a quien se le conoce como el padre del Op art. Aunque pasaría primero por las vanguardias y el cubismo constructivista hasta llegar a la Bauhaus. 
En 1930 se trasladó a París, donde trabajó como grafista. En esta ciudad es donde desarrolla la que se considera la primera obra del Op art, llamada Zebra: 



Durante los próximos años, Vasarely desarrolló un estilo propio del arte abstracto geométrico. Destacan en la mayoría de sus obras efectos de movimiento óptico, así como la complejidad de las formas representadas en sus obras, con imágenes inestables. Esto se conoce como arte cinético, con efectos que engañan nuestra visión, jugando con esos movimientos ópticos.





El teórico y líder del arte cinético recoge el mensaje de los grandes precursores constructivistas y de los maestros de la Bauhaus.
Anuncia y domina practicamente la totalidad de los movimientos que a partir de 1950 animarán el movimiento óptico-cinético en el mundo entero.
Es en estos momentos cuando creó un arte disponible para toda la sociedad y lo consiguió a través de la creación de obras de gran tamaño, integradas en la arquitectura y en el entorno urbano, utilizando procedimientos mecánicos como la serigrafía.